Sergio Barce

   Tras el artículo sobre mis actrices favoritas de los 60, continúo con las que marcaron la década siguiente, una década alocada, maravillosa cinematográficamente hablando, en la que la eclosión del “nuevo Hollywood” y la permisividad sexual en las pantallas de cine, nos mostraron, como en ninguna otra época, el esplendor del cuerpo femenino y las más explícitas escenas de sexo que se habían visto jamás en el cine comercial. Teniendo en cuenta que yo empezaba entonces mi adolescencia, se puede entender que para mis ojos fue una época prodigiosa. Juan Yankovich, amigo de la infancia de Larache, que es el causante de estos artículos, me comprenderá.

Siendo unos años tan “revolucionarios” me ha parecido oportuno abrir este artículo con la fotografía de una película de cine undreground, que tanto proliferó entonces y que consumíamos en los cine-clubs. “Heat” (1972) de Paul Morrisey, con producción de Andy Warhol, fue, probablemente, una de las más conocidas, y quizá la más vista por sus escenas atrevidas y desinhibidas.

     Los primeros años 70 rompen con todo lo anterior. Ese tiempo se abre con dos buenas actrices, ambas sensuales y perturbadores, Dominique Sanda y Stefanía Sandrelli, que protagonizan el mítico baile lésbico entre ellas en “El conformista” (Il conformista, 1970) de Bernardo Bertolucci, una escena que ejemplificaba el cambio de actitud ante una realidad hasta ese instante semioculta. Ambas repetirían de nuevo con el mismo realizador en 1975 en “Novecento”.
Luego, Stefanía Sandrelli, que siempre me ha parecido una de las actrices italianas más voluptuosa,  protagonizará una película preciosa: “Una mujer y tres hombres” (C´eravamo tanto amati, 1974) de Ettore Scola, mientras que Dominique Sanda interviene en otro de los films eróticos más conocidos del cine italiano de los setenta: “La herencia Ferramonti” (L´ereditá Ferramonti, 1976) de Bolognini, junto al gran Anthony Quinn.

   Igual ocurrirá, aunque el escándalo será mayor en este caso, con el personaje de María Schneider en otra producción inolvidable de Bertolucci protagonizada por Marlon Brando: “El último tango en París” (Ultimo tango a  Parigi, 1972), película que, según se ha dicho tras fallecer hace poco María Schneider, la marcó para siempre, en el sentido más negativo.  “El último tango…” pasó a ser un film casi obligado de ver porque, además de las famosas escenas de sexo, se consideró una película “culta”. Trata la autodestrucción y la incomunicación, temas muy en boga y común en las películas de autor. Marlon Brando fue candidato al Oscar por su papel.

    Pero será el personaje de “Emmanuelle” (1974) de Just Jaeckin el que creará uno de los mayores mitos eróticos, de una magnitud increíble, y al que da vida Sylvia Kristel. Vista hoy, es un film pasteloso, y bastante aburrido, pero entonces fue el no va más por sus explícitas escenas. Los españoles de la época, tristemente reprimidos y censurados, pasaban la frontera para verla en los cines franceses.

    Es, pues, el cine europeo el que marca esta apertura radical de ver el sexo de otra manera, apertura que se sedimentó previamente al final de la década anterior, utilizando siempre mujeres que lucen y exhiben generosamente su cuerpo y a las que utilizarán los realizadores para contar historias con un fuerte contenido, no sólo sexual, sino político y radical. Es un cine joven, que quiere poner un punto y aparte a todo lo anterior, al viejo sistema.

En esta línea, Charlotte Rampling se hará famosa por su papel contradictorio y desconcertante de “Portero de noche” (Il portiere di notti, 1973) de Liliana Cavani, donde interpreta a una prisionera de los campos nazis que, varios años después, coincidirá con su torturador, con el que, inesperadamente, reiniciará su extraña relación sadomasoquista. Un film controvertido, pero que nos descubrió a una excelente actriz con una sensualidad realmente turbadora.

Durante esos años, Charlotte Rampling hizo otros buenos papeles en “Zardoz” (1973) de John Boorman, y, sobre todo, en “Adiós, muñeca” (Farewell, my lovely, 1975) de Dick Richards, un gran film negro, donde encarna a una mujer misteriosa y atractiva, una clásica femme-fatale.

  Laura Antonelli, una de mis debilidades de entonces, se convertirá, en otro tipo de cine, en el icono sexual de los setenta con comedias eróticas de gran éxito, especialmente con “Malizia”(1973) y “Me gusta mi cuñada” (Peccato veniale, 1974) ambas de Samperi, un modelo de mujer que triunfaba especialmente entre los adolescentes por esa mezcla de madurez y pecado que esta actriz transpiraba en cada movimiento, y quizá porque en esas películas siempre era objeto de deseo de adolescentes imberbes que despertaban a la sexualidad, como nos ocurría a nosotros. Es imposible olvidar a la Antonelli como la sugerente protagonista del film de Visconti “El inocente” (L´innocente, 1976), uno de los films más sensuales de esos años, en el que hacía perder la cabeza a Giancarlo Giannini, y a los espectadores masculinos; sus desnudos en esta película forman parte de la memoria de mi generación.

 Lamentablemente, años después, Laura Antonelli, sin necesidad, se sometió a una operación de cirugía estética que paradójicamente le desfiguró el rostro, y desde entonces desapareció. Ahora vive en la absoluta indigencia.

   Junto a ella, otra italiana: Ornella Muti, y otra de mis “musas” Su fama se cimentó en películas españolas producidas por Pedro Masó, siempre tratando temas espinosos como la violación o la seducción de hombres maduros a mujeres muy jóvenes e inocentes, películas morbosas y carnales. Su  belleza, perenne, hizo que protagonizara un film de Marco Ferreri con un título revelador: “La última mujer” (La dernier femme, 1976). Y es que ella podía serlo.

   La eclosión de un cine explícito, en el que el sexo se muestra sin rubor, abre la puerta a innumerables actrices que triunfan en esos años pero que no son más que estrellas fugaces que deslumbran a veces en una sola películas para desaparecer luego en otras producciones olvidadas y olvidables.

Laura Gemser se convierte en la “Emmanuelle negra” (Emmanuelle nera, 1975), personaje que explotará en varias secuelas y una curiosa “Sor Emmanuelle” (Suor Emmanuelle, 1977), films de poca calidad donde lo importante son sus desnudos y sus piruetas sexuales. Bo Derek se convertirá en “10, la mujer perfecta”  (10, 1979) de Blake Edwards, donde su cuerpo actuará más que ella. Sin embargo, el impacto y el éxito de la película fue descomunal. La Derek corriendo por la playa, como el sueño que era para el protagonista Dudley Moore, se repitió hasta la saciedad e incluso fue objeto de innumerables parodias.

O Koo Stark que, como Ornella Muti, encontrará de la mano de Pedro Masó su momento de éxito con “Las adolescentes”  (1975), y, de nuevo, la marca de las casa: morbo, violación a una menor, lascivia, etc… Fue una de las películas emblemáticas de la apertura y el destape del cine español de la transición. Recuerdo que fui a verla con unos amigos al Cine Astoria, en Málaga, y que el acomodador nos pidió que no se nos viera mucho porque éramos menores de edad; así que durante su proyección permanecimos prácticamente tumbados en las butacas.

Y algo parecido ocurrió también con Teresa Ann Savoy, una eterna adolescente, siempre con un cierto aire melancólico y lujurioso, que se hizo famosa con films eróticos de época: “Salón Kitty” (1976) o “Calígula” (1979), ambas de Tinto Brass; aunque el film por la que la recuerdo especialmente fue “Vicios privados, públicas virtudes” (Vizi privati, pubbliche virtú, 1976) de Jancsó, que se veía en los cine-clubs como un film de culto, de arte y ensayo, pero la realidad es que nosotros, con apenas quince años, íbamos a verla por su carga erótica. 

   Junto a éstas, otras actrices son netamente de los setenta, y sus carreras posteriores apenas tiene repercusión, pese a tratarse de buenas intérpretes. Karen Black era uno de los rostros más asiduos, con un leve estrabismo en la vista, que formó parte de la generación que revolucionó Hollywood e intervino en varias de las películas más emblemáticas de la época como “Mi vida es mi vida”(Five easy pieces, 1970) de Bob Rafelson, “El gran Gatsby” (The great Gatsby, 1974) de Clayton o “Nashville” (1975) de Robert Altman, pero probablemente se le recuerde más como la protagonista del último film dirigido por el maestro Hitchcock: “La trama” (Family plot, 1975).

Algo parecido a ella le ocurrió a Marthe Keller, una bellísima intérprete suiza que actuó en “Marathon man” (1975) de Schlesinger y en la envejecida “Fedora” (1978) de Billy Wilder, personaje que siempre irá unido a ella. Marthe Keller, además de atractiva, creo que ha sido muy desaprovechada. Sally Kellerman fue otra actriz netamente de los setenta, que se hizo famosa como la “Morritos calientes” de “MASH” (1970), el irreverente film de Altman que por primera vez hacía comedia sobre la guerra con una crudeza que era inaceptable para los bien pensantes. Luego actuaría en otras películas de Altman, pero nunca tendría el éxito de esa ardiente “morritos”.

Otra setentera fue Susan George, de una belleza singular, entre ingenua y retorcida, voluptuosa en alguna medida, belleza de la que sacó un gran rendimiento para el papel de esposa de Dustin Hoffman, una mujer que levanta pasiones entre los lugareños de un pequeño pueblo hasta desembocar en una violación que deja al espectador dudando de si no ha sido provocada, en la extraordinaria “Perros de paja” (Straw dogs, 1971) de Peckinpah. Esa misma dualidad de inocencia y provocación motivará también a su personaje de “Mandigo”  (1975) de Richard Fleischer, famosa por la escena en que Susan George se acuesta con un negro, lo que, en esos años, aún era casi tabú.

    También actriz de estos años es, por supuesto, Talia Shire. Actuó en tres films cruciales de la década: fue la sufrida Adrian de “Rocky” (1976) de John G. Avildsen y la hija de Vito Corleone en “El padrino” (The Godfather, 1972) y “El padrino II” (The Godfather II,  1974) de Coppola. Una buena intérprete.

     Entre tanto, Raquel Welch seguía poblando mis sueños y continuaba siendo un mito erótico con mayúsculas, y en 1971 protagonizó “Anna Coulder” de Burt Kennedy, cuyo póster publicitario, con la Welch con un revólver al cinto, con su sombrero vaquero y un poncho cubriendo su escultural cuerpo, formaría parte de las habitaciones de millones de adolescentes. Estuvo en la mía, y se quedaba cada noche.

     Por esos años, llegó “Shaft” y con él los films denominados “blaxploitation”, películas de acción destinadas al público negro y protagonizadas por actores negros. La actriz emblemática fue Pam Grier, mujer exuberante descubierta por Russ Meyer, y que había tenido relativo éxito en películas WP (Women in prison), de pequeño presupuesto que siempre se desarrollaban en cárceles de mujeres, con lo que el morbo y el erotismo estaban servidos; se pusieron también de moda a principios de los 70. Sus películas no eran demasiado buenas, pero cuando veías a Pam Grier pensabas que debía ser una mujer de fuego. Tarantino la recuperó en los noventa para «Jackie Brown».

   Otras actrices, por el contrario, comenzaron sus carreras en films con una fuerte carga sexual, en los que se explotaba su belleza o su atractivo, para luego convertirse en estupendas actrices de carácter. Así sucedió con Jessica Lange que se hizo famosa por su escena en “King-Kong” (1976) en la que el gigante de la selva trataba de desnudarla para sorpresa de la chica. En los ochenta, Jessica Lange fue quizá la intérprete que más me perturbaba.

 La más paradigmática fue quizá Jodie Foster. Casi una niña aún, Martin Scorsese la escogió para el papel de prostituta en “Taxi driver” (1976), aunque para las escenas más comprometidas era doblada por su hermana mayor. Un film transgresor, violento, una obra maestra. Foster, con el tiempo, se ha convertido en una de las mejores actrices americanas.

Como ella, también Brooke Shields se dio a conocer como otra prostituta menor de edad en la maravillosa película de Louis Malle “La pequeña” (Pretty baby, 1978). Luego, su fugaz estrella llegó a lo más alto, especialmente entre los adolescentes, en los años ochenta.  Melanie Griffith hizo en 1974 la película que dio a conocer: “La noche se mueve” (Night moves, 1974) de Arthur Penn; en ella era una menor provocadora e insinuante que, maliciosamente, tienta a un ya maduro Gene Hackman. Una magnífica película. Y Sissy Spaceck, adolescente también, se vengará terroríficamente de sus compañeros, que no han cesado de burlarse y de humillarla por su actitud conservadora con el sexo en “Carrie” (1976) de De Palma. Uno de los films de terror emblemáticos de la época.

     Nastassja Kinski se dio a conocer por entonces. La Kinski ponía en un verdadero aprieto a Marcello Mastroianni en “Así como eres” (Cosi come sei, 1978) de Lattuada. Esbelta, sofisticada, elegante, su belleza era de película, y Roman Polanski cayó a sus pies y la hizo protagonista de “Tess” (1979).

 Actrices que habían triunfado en los  sesenta, se afianzarán como excelentes intérpretes en esta nueva década: Faye Dunaway hace inolvidables papeles en “Chinatown” (1974) de Roman Polanski, que le supuso una nominación al Oscar, “Los tres días del cóndor” (Three days of the condor, 1975) de Sydney Pollack o “Network” (1976) de Sidney Lumet, por la que obtuvo el Oscar a la Mejor Intérprete; en estos films impone su estilo de mujer aparentemente fuerte pero en realidad frágil y débil, con ese punto libidinoso de su mirada, que parece ocultar algún trauma sexual, lo que es absolutamente cierto en “Chinatown”. Siempre me ha gustado la Dunaway, en todas las etapas de su carrera.

    Junto a la Dunaway, Jane Fonda. Auténtica estrella, en los setenta se consagra como actriz con “Klute” (1971) de Alan J. Pakula, por el que obtuvo su primer Oscar a la mejor intérprete, film muy en la línea del nuevo cine americano, con mensaje y con sexo, en el que la Fonda demuestra ser capaz de dotar a sus personajes de una gran carga erótica; con “Julia” (1977) de Fred Zinnemann y especialmente con “El regreso” (Coming home, 1978) de Hal Ashby, en un papel inolvidable que le valió su segundo Oscar, Jane Fonda llega a la cima de su trabajo.

    Liza Minnelli hizo una película en 1972 que le supuso el Oscar a la mejor actriz y que la marcaría el resto de su carrera: “Cabaret” de Bob Fosse. Una obra maestra que ahoga las otras películas que ha rodado, hasta el punto de que al pensar en Liza sólo se recuerda este papel. La fama de Cabaret la sepultó.

También hubo actrices en los 70 un tanto “empalagosas”, como Ali McGraw, a la que catapultó a la fama una melosa película melodramática: “Love story” (1970). Luego, rodaría quizá su mejor film: “La huída” (The gateway, 1972) de Sam Peckinpah, en la que su romance fuera de la pantalla con Steve McQueen llenaría páginas de la prensa rosa. Era una mujer guapa, que nunca fue una gran intérprete.

Lo contrario de Sally Field, también un tanto meliflua que, sin embargo, hizo un excelente papel en “Norma Rae” (1979) de Martin Ritt y ganó el Oscar. Ya digo que me parece una intérprete empalagosa, pero demostraría en los ochenta y siguientes años que es una buena actriz.

En su misma línea está  Marsha Mason, una de esas actrices de una película para el recuerdo, en su caso “La chica del adiós” (The Goodbye girl, 1977) de Herbert Ross, un film con guión de Neil Simon que competía por entonces con “Annie Hall” por ser la comedia del año. Ganó Woody Allen, pero Marsha Mason es la chica del adiós, y desde entonces se perdió en películas insulsas.

 Jill Clayburgh es otra de esas actrices que hizo un gran papel, nominada al Oscar, en “Una mujer descasada” (An unmarried woman, 1978) de Paul Mazursky, y aunque luego haría “La luna” (1979) de Bertolucci, su carrera se ha ido diluyendo en films intrascendentes.

    Otro de los mitos para los adolescentes de los 70 fue, qué duda cabe, la bellísima   Jennifer O´Neill. Como Mason y Liza, una película marca su cenit y su esplendor: “Verano del 42” (Summer of ´42, 1971) de Robert Mulligan. Era una delicada película que contaba la historia de unos chavales que descubrían el sexo, y uno de ellos lo experimentaba por vez primera con Jennifer O´Neill, una adulta, experimentada, que se refugia en el chico para ahogar la tristeza por la muerte de su marido. La cinta estaba cargada de sensibilidad y de una soterrada sensualidad, y, cuando la vi, deseé ser ese chico que descubría la vida con la O´Neill. Yo, y todos los chavales que fueron a verla.

    Barbra Streisand tuvo sus mayores éxitos en los 70 como actriz. Sin duda, dejando a un lado a “¿Qué me pasa, doctor?” (What´s up, doc?, 1972) de Bogdanovich y “Ha nacido una estrella” (A star is born, 1976) de Pierson, es “Tal como éramos” (The way we were, 1973) de Sydney Pollack su mejor trabajo.

Es una película paradigmática de esos años, en la que interpreta a una estudiante idealista y revolucionaria que se enamora de un hombre (Robert Redford) tranquilo y conservador, todo lo contrario que ella. La Streisand compone un personaje complejo, con una pizca de locura, libre, irreductible, maravilloso, y aunque no es una actriz guapa, según los cánones habituales, sin embargo irradia otra clase de belleza que la hace fascinante, sensual y única.

    Luego están las otras, las más bellas y atractivas, buenas intérpretes que supieron jugar sus bazas. Por ejemplo Candice Bergen. Ella intervendrá en una famosa película de la contracultura USA del momento: “Conocimiento carnal” (Carnal knowledge, 1971) de Mike Nichols que, vista hoy en día, no es para tanto, pero entonces supuso un cierto escándalo. La acompañaba Jack Nicholson y la siempre exuberante Ann Margret. Antes, la Bergen protagonizó un western violento y atípico, que me impactó entonces, “Soldado azul” (Blue soldier, 1970) de Nelson; y posteriormente será la mujer secuestrada por El Raisuni, al que da vida un excelente Sean Connery, en la emocionante “El viento y el león” (The wind and the lion, 1975) de John Milius.

Candice Bergen era guapa, rubia y rebelde, la heredera de mis dos debilidades de los sesenta: Jacqueline Bisset y Julie Christie.

En los 70, la Bisset actuó en todo tipo de films, pero está inolvidable en “La noche americana” (La nuit américaine, 1973) de François Truffaut, en “La mujer del domingo” (La donna della domenica, 1975) de Luigi Comencini, y como la otra belleza que domina el crepuscular y romántico film de John Huston “El juez de la horca” (The life and times of Judge Roy Bean, 1972). Jacqueline Bisset es siempre fotografiada espléndidamente, y su atractivo deslumbra en todas sus películas. En esta última película, la otra belleza es ni más ni menos que el animal más bello del mundo, Ava Gardner, que interpreta a Lily Langtry, el amor platónico por el que sueña toda su vida el juez Roy Bean (Paul Newman). Pese a la edad de la Gardner, jamás ha estado tan preciosa como en esta película, quizá porque, en el fondo, también John Huston estaba enamorado de ella.

   Mientras, mi otra debilidad, Julie Christie, protagonizó en 1970 uno de los films más hermosos del momento: “El mensajero”  (The go-between) de Joseph Losey. A raíz de su relación con Warren Beatty, Julie Christie coprotagonizó con él otras tres películas muy de los años setenta: “Los vividores” (McCabe & Mrs. Miller, 1971) de Robert Altman, que le supuso una nominación al Oscar, “Shampoo” (1975) de Hal Ashby y “El cielo puede esperar” (Heaven can wait, 1978). Pero creo que el papel más perturbador de la Christie por entonces quizá sea el de “Amenaza en la sombra” (Don´t look know, 1973) de Nicolas Roeg. En cualquier caso, Julie Christie y Jacqueline Bisset podían, pueden, hacer lo que quieran que ellas lo iluminan todo.

    Curioso fue el caso de Cybill Shepherd, una mujer de extraordinaria belleza que actuó en dos películas maravillosas: “La última sesión” (The last picture show, 1971) de Bogdanovich y la ya mencionada “Taxi driver” (1976) de Martin Scorsese. En la primera, es una joven que juega con las represiones de un adolescente en un pueblo conservador y cerrado, y en la segunda se convierte en la mujer deseada pero también en la frustración de Robert de Niro.

Pese a esta prometedora carrera, siendo una mujer bellísima, muy alta, muy atractiva, que había sido modelo, cayó en las redes del director Peter Bogdanovich, que se enamoró perdida y casi enfermizamente de ella, y trató de convertirla en una estrella pero la dirigió, salvo en “La última sesión”, en auténticos fiascos, que la hicieron aparecer como una penosa actriz, y ambos terminaron en una relación tortuosa y desquiciada. Salvo la televisión, la Shepherd nunca llegaría a ser la actriz que se creyó que sería.

     Mientras en USA el nuevo Hollywood revolucionaba el cine, en Italia sus películas iban en decadencia y en España, tras la dictadura, comienza el destape, y con él, el llamado “cine S”, films meramente comerciales en los que cualquier excusa era buena para que la actriz protagonista mostrara generosamente su anatomía, el guión era lo de menos. Una reacción lógica para un cine amordazado durante cuarenta años que, de pronto, podía exhibir lo que nunca había podido enseñar. Ana Belén se convertirá en una de las actrices más interesantes, con films turbadores y carnales, algunos pertenecientes a la llamada tercera vía del cine español: “Morbo” (1972), “Vida conyugal sana” (1974) o “La oscura historia de la prima Montse” (1977, donde se revela una excelente actriz, de la que recuerdo especialmente su papel en “Tormento” (1974) de Pedro Olea. Tan comprometida como Ana Belén, lo fue Pepa Flores, que hizo una maravillosa composición en una película emocionante: “Los días del pasado” (1978) de Mario Camus. Su recién descubierta sensualidad, ya no era la pequeña Marisol, la hizo interpretar dos films esenciales del cine español de los 70: “La corrupción de Chris Miller” (1973) y, especialmente, “El poder del deseo” (1975).

A su vez, Ángela Molina sorprende con sus trabajos, y ahí sigue hoy día demostrando su elevada categoría como intérprete, pero en los setenta su papel en “Ese oscuro objeto del deseo” (1977) de Luis Buñuel, personaje que se desdoblaba con la preciosa Barbara Bouquet, marcará un antes y un después en su prolífica carrera. Charo López, otra gran actriz, muy desaprovechada, explotó su lado más perturbador en “Manuela” (1976) o en “Los placeres ocultos” (1977).

Y, como ella, María Luisa San José, otro icono sexual de los setenta, que se convirtió en la musa de los jóvenes realizadores españoles y que actuó en películas tan emblemáticas como “Los nuevos españoles” (1974) o “Más allá del deseo” (1977).

Lo más curioso es que las actrices españolas que más éxito tuvieron con sus desnudos, gracias a sus imponentes físicos, han tenido un final trágico: Amparo Muñoz, Sandra Mozarowsky, Blanca Estrada,  Nadiuska… O bien han fallecido violentamente o han estado enganchadas a las drogas o viven en la indigencia.

     Y aunque el `primer desnudo integral se debe a María José Cantudo en «La trastienda» (1975) de Jorge Grau, no hay que olvidar tampoco los filmes de Concha Velasco, Aurora Bautista, Analía Gadé, Sara Montiel…

Las veteranas actrices españolas que filmaban dos versiones en los primeros setenta: la que se veía en España, censurada, y la que se exportaba al exterior, en las que lucían sus cuerpos de una manera más explícita. Otra demostración de la pobre situación que se vivía en España.

    Caherine Deneuve se convirtió en los setenta en la gran dama del cine francés, con el permiso de Jeanne Moreau. La Deneuve interpretó varios papeles magistrales, pero entre ellos destaca “Tristana” (1970) de Luis Buñuel. Fría, distante, será objeto del fetichismo de Fernando Rey; una cinta que nos mostró el cine más morboso del genial realizador español. Y mientras la Moreau, entre excelentes papeles sesudos, coló un personaje divertido y desenfadado, muy de esos años, en “Los rompepelotas” (Les valseuses, 1974) de Blier, que fue puro aire fresco.

    Romy Schneider seguía rompiendo corazones, su atractivo se deslizaba por las pantallas. Me encantó y me enamoró en “Las cosas de la vida” (Les choses de la vie, 1970), y también en “Max y los chatarreros” (Max et les ferrailleurs, 1971), ambas de Claude Sautet; estuvo irresistible en “Lo importante es amar” (L´important c´est d´aimer, 1975) de Zulawski, película que me atrapó, y estuvo emocionante en “El viejo fusil” (Le vieux fusil, 1975), etc… Esos años fueron de ella.

Pero serán Isabelle Adjani e Isabelle Huppert las que se impongan a manos de los realizadores franceses más exitosos de la década. La Adjani, fría y distante, su belleza siempre me ha parecido artificial, se consolidó de la mano de Truffaut en “El diario íntimo de Adela H” (L´histoire d´Adéle H, 1975) y de Polanski en la inquietante “El quimérico inquilino” (Le locataire, 1976). La Huppert, también fría y a veces excesivamente inexpresiva, es, sin embargo, mejor actriz; por entonces actuó junto a Jeanne Moreau en “Los rompepelotas” (Les valseuses, 1974) que ya digo que fue puro aire fresco, pero la recuerdo en “Crónica de una violación” (Dupont Lajoie, 1975) y en “Violette Noziére” (1978) de Claude Chabrol.

Hanna Schygulla era la musa de Fassbinder, y la rememoro con añoranza, quizá porque añoramos inconscientemente nuestros años de juventud, en su papel de María Braun en “El matrimonio de María Braun” (Die ehe der Maria Braun, 1979). Y Liv Ullman continuaba siendo la inspiración de Bergman y deleitándonos con sus composiciones, llenas de tantas lecturas, en “Gritos y susurros” (Viskningar och rop, 1972) o en“Secretos de un matrimonio” (Scener ur ett äktenskap, 1973).

   Volviendo a USA, Ellen Burstyn y Louise Fletcher serán dos actrices de carácter que harán en los setenta los papeles de sus vidas: la primera como la  madre de Linda Blair en “El exorcista” (The exorcist, 1973) de William Friedkin, y Louise Fletcher como la insensible enfermera de “Alguien voló sobre el nido del cuco” (One flew over the cuckoo´s nest, 1975) de Milos Forman. Las dos bordaron sus interpretaciones. Cómo olvidar, en el caso de la segunda, su mirada imperturbable ante las exigencias de Jack Nicholson, desesperado ante su inacción e inhumanidad… Junto a ellas, otra veterana, Gena Rowlands, musa y esposa de John Cassavetes, compondrá otro de esos personajes que queda para siempre ligado a su intérprete en “Una mujer bajo la influencia” (A woman under the influence, 1974).

    Hubo una actriz en los setenta realmente importante, y sus papeles siempre fueron excelentes, pero luego, no sé la razón, cayó completamente en el olvido: Glenda Jackson.Era de una extraña belleza, y tenía tanta fuerza, llenaba la pantalla con tal intensidad, que bastaba su presencia para hacer mejor una película.

Ella fue la reina Elizabeth en “María, la reina de Escocia” (Mary, Queen of Scots, 1971) y “La inglesa romántica” (The romantic englishwoman, 1975) de Losey. La Jackson ganó dos veces el Oscar como mejor intérprete, en los 70 con “Un toque de distinción” (A touch of class, 1973).

     Un cambio radical de los setenta, respecto al arquetipo de mujer, lo modeló Woody Allen a partir de su, por entonces, amada Diane Keaton. El film y el personaje, por supuesto: “Annie Hall” (1977). La Keaton venía de interpretar a la mujer de Michael Corleone (Al Pacino) en los dos Padrinos de Coppola, y ya había actuado para Allen en la mítica “Sueños de seductor” (Play it again, Sam, 1972) de Ross, “El dormilón” (Sleeper, 1973) o “La última noche de Boris Gruschenko” (Love and death, 1975). Será, sin embargo, “Annie Hall” la que la transformará en un icono cinematográfico: su visión de la vida y del sexo, su forma de vestir, su humor, sobre todo su humor… Y ganó el Oscar por este papel. En 1979 protagonizó, además, el otro gran clásico de Woody Allen: “Manhattan”.

    Una actriz emergente, delicada y sensible, era Genevieve Bujold. Tan frágil que mueve a la protección, y, sin embargo, sus papeles siempre están bien armados.

Aunque será en los ochenta cuando haga sus mejores trabajos, la recuerdo sufriendo junto a Charlton Heston en un film de catástrofes, muy de la época: “Terremoto” (Earthquake, 1974),  en la extraña “Fascinación” (Obsession, 1976) de De Palma y, especialmente, en “Asesinato por decreto” Morder by decree, 1979).

    De las veteranas, de nuevo la Loren, única e irrepetible. Sofía Loren compondrá uno de sus personajes más hermosos, magistral, el de “Una jornada particular” (Una giornata particolare, 1977) de Ettore Scola, en el que volvía a coincidir con Marcello Mastroianni. Estaba conmovedora, grandiosa, inolvidable. Mientras, otra veterana actriz italiana, Silvana Mangano, daba su toque de delicadeza y glamour a la obra  maestra de Visconti: “Muerte en Venecia” (Morte a Venezia), y también con Visconti interpretó otros dos roles importantes en su carrera, los de “Luis II de Baviera” (Ludwig, 1972) y “Confidencias” (Gruppo de famiglia in un interno, 1974), donde compartía estrellato con Buró Lancaster.

    Uno de los papeles más sorprendentes para una actriz madura, fue el que compuso Geraldine Page, actriz relevante de la escena americana, como la matriarca, primero dulce y después despiadada y cruel, del grupo de mujeres que acogerán en su seno al desvalido soldado sureño que interpreta Clint Eastwood en la magnífica “El seductor” (The beguiled, 1971) de Siegel. Luego sería nominada al Oscar en los 70 en dos ocasiones por “Risas y lágrimas” Pete ´n ´Tillie, 1972) de Ritt y por “Interiores” (Interiors, 1978) de Woody Allen.

     Y seguimos con veteranas: la atractiva y carnal Angie Dickinson fue una estrella fulgurante en los sesenta, pero en esta década no hizo grandes films y, sin embargo, siguió en candelero gracias a su protagonismo en una serie de televisión: “La mujer policía” (Police woman, 1974-1978), con la que obtuvo el Globo de Oro. Una actriz muy desaprovechada, como tantas otras.

    Y entonces aparecieron, al final de los 70, dos estrellas nuevas, diferentes y rutilantes: Sigourney Weaver & Meryl Streep. Tan diferentes física como interpretativamente hablando, pero las dos tienen tal fuerza creativa que son de las pocas actrices que aún hoy, desde finales de los setenta, continúan siendo las protagonistas absolutas de sus películas treinta años después. Sigourney Weaver hizo en 1979 “Alien” de Ridley Scott, una películas de culto de la ciencia ficción, y que supuso su inmediato estrellato. Es una actriz dura, incisiva, muy eficaz. Meryl Streep es, en sus primeros éxitos, la delicadeza, la serena belleza de un rostro perfecto, una interprete sólo comparable a Katherine Hepburn en toda la historia del cine. Descubrí a Meryl Streep en una serie de televisión: “Holocausto” (Holocaust, 1978), donde emocionaba profundamente. Y luego vinieron una serie de éxitos que ya forman parte de la historia del cine y, evidentemente, de los 70: “El cazador” (The deer hunter, 1978) de Michael Cimino, “Manhattan” de Woody Allen y “Kramer contra Kramer” (Kramer versus Kramer, 1979) de Robert Benton. En todas ellas, como luego en sus siguientes películas, Meryl Streep estaba perfecta.

     Los setenta son los años en los que, cuando se salía del cine, como ya se hacía en la anterior década, los amigos se marchaban a una cafetería para analizar la película, buscar su mensaje oculto, hallar las claves del film. Pero ahora ésa era la señal de estar al día, de ser modernos. Fue una eclosión cultural en toda regla, y el cine la máxima manifestación del momento. Bergman, Visconti, Truffaut, Wenders, Fassbinder, por un lado, Coppola, Scorsese, Penn, Peckinpah, Forman, Polanski, Friedkin por otro, Kurosawa, Huston y Buñuel aún en la brecha.

Todo era analizable, el cine era el instrumento para que la cultura llegara a todas partes. Veíamos todo tipo de películas, ya fueran de acción o de catástrofe, de ciencia ficción o de mafiosos, de arte y ensayo o comedias, bélicas o románticas, cine intelectual y comercial, cine del este, oriental, americano o sudamericano, europeo por supuesto, pero siempre con los sentidos bien abiertos para absorberlo todo. Y, de pronto, descubrimos que el sexo también existía en Japón, y llegó Nagisa Oshima con “El imperio de los sentidos” (Ai no korîda, 1976) y “El imperio de la pasión” (Ai no borei, 1978), y comprendimos que en todo el mundo el mismo tema obsesionaba a realizadores de diferentes latitudes. Estos dos films hicieron correr tinta, y fueron tan exitosos como “El último tango…” o “Emmanuelle”.

Pero a partir de “La guerra de las galaxias” (Star Wars, 1976) los setenta comienzan a cambiar, y el cine también, y nos sumergimos en el mundo de Lucas, Spielberg y el cine dirigido a los más jóvenes, es decir, a la infantilización, y el modelo femenino se encarna en la insulsa y asexuada Carrie Fisher, la Princesa Leia. Los ochenta supondrá un declive del cine de los setenta, un aburguesamiento, una vuelta al redil, y lo políticamente correcto comienza a hacerse dueño de las pantallas y una extraña autocensura cambiará la forma de hacer cine.  

    Sin embargo, en los setenta, hubo tal pluralidad que, junto a todo lo anterior, existió esa manera cachonda y desenfadada de hacer del sexo hace simpático, estético o simplemente desmadrado. Hablo de las chicas Bond y las chicas Russ Meyer de los 70.

    En la que se presumía última película de Sean Connery como 007, “Diamantes para la eternidad” (Diamonds are forever, 1971), aparece Jill St. John, con un look aún sesentero: sofisticada, inteligente, intrépida; y luego hará un buen trabajo en “La celada” (Sitting target, 1972) junto a Oliver Reed e Ian McShane.

    El nuevo James Bond de los setenta es, a partir de 1973, Roger Moore, y a él le acompañarán las nuevas chicas Bond, que no son tan interesantes como las que trabajaron con Connery, pues desde ese momento se buscaba más la “actriz decorativa” que sólo servía en estos films de bonita y erótica acompañante, sin más pretensiones ni más complicaciones.

Las nuevas chicas Bond fueron: Jane Seymour en “007, vive y deja morir” (Live and let die, 1973), Britt Ekland en “El hombre de la pistola de oro” The man with the goleen gun, 1974), Barbara Bach en “La espía que me amó” (The spy who loved me, 1977)  y Lois Chiles y Corinne Cléry en “Moonraker” (1979).

De ellas, Jane Seymour haría una gran carrera televisiva, y Corinne Cléry gozaría de una fama pasajera gracias a su papel en la lasciva y controvertida “Historia de O” (Histoire d´O, 1975) de Jaeckin.

      Pero la desmesura, el sexo como divertimento absoluto, como astracanada o exageración, vino de la mano de Russ Meyer a los cine-clubs. Sus actrices eran excesivas físicamente, siempre con enormes pechos, y en los sesenta sus films gozaron de muchos seguidores.

Por fin, en los 70, llegaban a España, e irrumpió con la que quizá ha sido la más exitosa y famosa de sus películas: “Supervixens” (1975). Estaba interpretada por Shari Eubank, Uschi Digal , Christy Hartburg, Colleen Brennan & Haji.

Estos nombres quizá no digan nada, pero estas actrices llenaban las pantallas, y cómo lo hacían… Cine sin complejos, que ridiculizaba la mirada timorata y puritana de la sociedad americana al sexo femenino. Tan excesivas en todo, que su ingenuidad las hacía más entrañables.

      Y así fueron los 70, con todas estas actrices, para todos los gustos, una década prodigiosa, irrepetible…   (Visto lo escrito, me doy cuenta que durante mi vida he visto y veo cine en cantidades industriales).

Sergio Barce, septiembre 2011