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TÁNGER EN EL CINE – 4ª ENTREGA

Tánger, como escenario o lugar de rodaje de películas de distintas nacionalidades, ha sido siempre recurrente desde principios del siglo pasado. En las anteriores entregas, nos habíamos detenido en 1968. Hoy continuamos este peregrinaje…

ANTES AMAR, DESPUÉS MATAR

Al año siguiente, se estrenó otra curiosa e interesante película americana: Antes amar, después matar (Hard contract, 1969) de S. Lee Pogostin.

Historia de un asesino a sueldo, al que da vida el excelente James Coburn, que, al conocer a una mujer, se replantea su vida. El reparto es excelente: junto a James Coburn, Lee Ramick, Lili Palmer, Burgess Meredith, Patrick Magee, Sterling Hayden, Claude Dauphin, Karen Black y Jesús Tordesillas.

Se rodó en Torremolinos, Bélgica y Tánger. Y en su cartel promocional podemos leer que era “An unmoral picture“…

UNA MALETA PARA UN CADÁVER

De 1970, es la coproducción hispano-italiana Una maleta para un cadáver (Il tuo dolce corpo da uccidere), de Alfonso Brescia.

Thriller que narra la truculenta historia de un hombre que, al descubrir que su mujer le es infiel, la asesina obligando al amante a convertirse en su cómplice, y tras descuartizarla, introducen los restos del cuerpo en dos maletas…

La cinta está protagonizada por George Ardisson, Françoise Prévost, Orchidea de Santis, Eduardo Fajardo y Félix Dafauce. Se rodó entre Roma, Madrid y Tánger.

EL CHERGUI

En 1975, el realizar tangerino Moumen Smihi, dirige El Chergui (Chaqiaw al-çoumt al-’anif` / Le silence violent), producción netamente marroquí.

EL CHERGUI escena

Escena de EL CHERGUI

La cinta se ambienta en los años 50, cuando Tánger aún era internacional y se acercaba la independencia de Marruecos. Su tema es la situación de la marroquí en esos años, la etapa de infancia, las relaciones paternofiliales, la austeridad de la educación, la resistencia clandestina de las mujeres… Aicha, para evitar que su esposo tome una segunda esposa más joven, usa artimañas mágicas. Y como señal de rebelión, se quitará el velo…

Está protagonizada por los actores marroquíes Aicha Chairi, Leila Shenna, Abdelkader Moutaa y Chawki Sail.

DOMINGO NEGRO

Ese año se estrena un thriller titulado Domingo negro (Black Sunday), del gran realizador americano John Frankenheimer. Basado en la novela de Thomas Harris y con guión, entre otros, de Ernest Lehman.

Pese a que contaba con una trama sobre terrorismo internacional, basarse en un best-seller, tener un gran reparto y música de John Williams, no tuvo una buena acogida. Los actores son Bruce Dern, Robert Shaw, Marthe Keller, Fritz Weaver, Bekim Fehmiu, Michael V. Gazzo, William Daniels y Walter Gotell.

Salvo algunas escenas filmadas en Tánger, la mayor parte del rodaje se desarrolló en USA.

Tänzerinnen für Tanger 2

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Tänzerinnen für Tanger 1

También de 1977 es Tänzerinnen für Tanger, una producción alemana del realizador francés Jack Guy. En Italia se tituló Porno tratta per Tangeri.

Es una película de baja calidad influida por un tipo de cine que hacía furor en los años setenta: espionaje, asesinato y sexo. Film que abordaba el tema de la trata de blancas, lo que facilitaba el rodaje de una película erótica y semiporno bajo la excusa de un thriller. Producción de muy baja calidad.

Estaba protagonizada por Gina Janssen, actriz de cine erótico, Esther Studer, Jacques Stany y Erik Falk.

Se rodó entre Canadá, Suiza, Holanda y Tánger.

Tuntematon ystävä

En 1978 se rodó también en Tánger una producción finlandesa, que de todo hay como podemos comprobar. Se titula Tuntematon ystävä, y está dirigida por Lars G. Thelestam.

Una película de intriga sobre una pareja que se dedica a estafar a incautos engañándolos para hacerse con sus pólizas de vida…

La interpretan los actores Kate O´Mara, Bruno O´Ya, Âke Lindman y Anne Marie Pohtamo.

Y se rodó tanto en Helsinki como en Tánger.

Une brèche dans le mur

Escena de Une brèche dans le mur

Ese mismo año de 1978 vio el estreno de Une brèche dans le mur (A breach in the wall), de Jillali Ferhati.

Por fin una película de un realizar marroquí. Jillali Ferhati, director, productor y actor, nació en 1948. Vinculado al teatro parisino, ha dirigido varios films en Marruecos, entre ellos éste que menciono que fue seleccionado para el Festival de Cannes.

JILLALI FERHATI

JILLALI FERHATI

Su argumento es el de un sordomudo que es el personaje-testigo de la vida de los marginados en Tánger…

La película está protagonizada por el propio Jillali Ferhati junto a Bachir Skirej.

En las siguientes entregas nos toparemos con nuevas películas de Ferhati, el director marroquí que más cintas ha rodado en Tánger. Y también lo hallaremos en alguna otra producción en su faceta de actor. 

HABIBI, AMOR MÍO

La coproducción italo-española Habibi, amor mío, de 1981, está dirigida por Luis Gómez Valdivieso.

Está protagonizada por Stefano Patrizi, Simón Andreu, Franco Fabrizi, Massimo Ranieri, Miguel Ayones, Florinda Bolkan, Queta Claver, Roberto Camardiel, Miguel Rellán, Leonora Fani y Stefania Casini.

La música es del gran Luis Bakalov.

Su trama es la siguiente: El gran sueño de Esteban Marcos es el de triunfar como cantante. Al llegar a la capital desconoce que, en ocasiones, para poder alcanzar un sueño, hay que pagar un precio. Muy adecuadamente, el lugar donde se efectúa la transacción no es otro más que la cama, y Esteban debe acceder a los requerimientos del representante Luis Salas. El aspirante a cantante inicia así una carrera que lo llevará al éxito efectuando pocas, pero dolorosas paradas: Andrea, la madre de su único hijo; Inés, una inocente amiga de Andrea; Pablo, hermano de Inés y auténtico amor de su vida; y, al fin, el alcohol y las drogas. (La sinopsis es la que ofrece la propia productora)

Se trata de una película maldita, ya que, pese a su gran reparto, y al excelente equipo técnico, no tuvo buena distribución, aunque cuenta con buenas críticas.

Se rodó en Madrid, Roma y Tánger.

VIDA PERRA

La primera adaptación al cine de la novela tangerina más emblemática, La vida perra de Juanita Narboni, de Ángel Vázquez, la adaptó a la gran pantalla Javier Aguirre con Vida perra, de 1981, y que protagoniza Esperanza Roy quizá en su mejor papel.

Como la novela, un largo monólogo de la protagonista que repasa su vida, solterona, decadente y sola, como la ciudad que representa: Tánger.

Escribió Gabriel y Galán para El País: “…Quizá lo más impresionante de esta película sea la interpretación de Esperanza Roy. No es cuestión de hablar aquí de métodos interpretativos. Más vale resaltar que lo que Esperanza interpreta no es un personaje, sino un dédalo de personajes en un extraño festín, en el que hay dudas sobre la existencia de unos y de otros. Es más, la actriz no encarna unas acciones externas: desarrolla, en un insólito espectáculo, unas vivencias internas sin más utensilio que la palabra. Sólo la palabra para permanecer en pie y únicamente la palabra para que todo vaya desmoronándose en una atmósfera inactiva.

Hay que decir, en rigor, que el protagonista de esta película es la palabra (no el texto), independiza da de la novela original. La palabra se hace autónoma, cobra entidad propia y condiciona la tecnología de la interpretación y de la dirección. ¿Cómo decir que esta es una palabra cinematográfica? No estamos ante un ejercicio literario ni en presencia de un bello resucitado. La palabra de Vida perra es genéricamente cinematográfica, así está encarnada; imagen y palabra son la misma cosa.

La base de la interpretación de Esperanza Roy reside en que no trata de sentir un texto al estilo convencional. Aquí parece en cada momento estar siendo la autora de cada palabra, la generadora de frases, ritmos, espacios.

Es esta una interpretación de rostro. Prácticamente se nos instala desde el comienzo en el rostro de Esperanza Roy, incluso cuando la vemos de cuerpo entero. Pero todos los encuadres conducen a su rostro como si éste fuera el espacio propio de la película. Así, el festival de ambigüedad que es este filme queda maravillosamente reflejado en el semblante múltiple de la actriz. No hay aspavientos, dislocaciones del dramatismo; todo es sereno, modesto, cada rictus, cada visaje; las violencias van en profundidad, los diferentes rostros se suceden a sí mismos casi sin que nos demos cuenta.

Por otro lado está el tiempo, para que su sutil juego de espejos ponga las cosas más difíciles. Si hasta ahora he concluido que Juanita Narboni vive rodeada de habitantes en una casa deshabitada, y que está en cuarentena su propia identidad, desde el punto de vista temporal, la relación pasado/presenté adquiere tales contrastes que a veces parecen destruirse mutuamente. La palabra no ayuda a clarificar. La. utilización de un presente engañoso secuestra las posibilidades de pasado y futuro….”

TANGIER

Tangier (1982) del realizador británico Michael E. Briant, entre cuyos trabajos se cuentan treinta episodios de la mítica serie Dr.Who

Film de espionaje sobre los avatares de un exagente de la CIA al que obligan a hacerse pasar por un contrabandista conocido en los bajos fondos. Se rodó en Londres, Gibraltar y Tánger.

Cuenta en su reparto con Ronny Cox, Billie Whitelaw, Jack Watson y Ronald Fraser.

HÉCATE

También de 1982 es Hécate, otra producción francés dirigida por el suizo Daniel Schmid, y basada en la novela de Paul Morand.

Argumento: Marruecos en la década de 1930. Ambientada en Marruecos, la película explora la pasión de un hombre por una mujer enigmática, que parece alejarse cada vez más de él a pesar de consentir sus avances físicos. Cuando Julien Rochelle conoce a Clotilde en un evento social, ella está esperando que su marido, un oficial francés, regrese de una misión en Siberia. El vínculo que nace entre ellos no será al principio más que una manera de pasar el tiempo, un antídoto contra el aburrimiento, pero pronto se convertirá en un romance apasionado que convierte a Julien en una criatura dependiente y enferma y, finalmente, lo lleva al borde de la locura.

Rodada en Tánger y Suiza. La cinta está interpretada por Lauren Hutton, Bernard Giraudeau, Jean Bouise, Jean-Pierre Kalfon y Mustapha Tsouli.

DERNIER ÉTÉ À TANGER

De 1987 es Dernier été à Tanger, de Alexandre Arcady

Un drama interpretado por Valeria Golino, Roger Hanin, Anna Karina, Thierry Lhermitte, Vincent Lindon, Jacques Villeret y Howard Vernon.

En el verano de 1956, con la ciudad de Tánger perteneciendo ya al reino de Marruecos, Richard Corrigan, un detective privado francés residente cerca del puerto, recibe el extraño encargo por parte de un abogado suizo para quien, a cambio de una fuerte suma, ha de entregar un sobre a una joven. Como Corrigan está cargado de deudas, acepta este trabajo. Este servicio le pondrá en contacto con Carla Morelli, una sensual italiana, que es la identidad falsa bajo la cual Claudia Marchetti se mueve por Tánger con el objetivo de vengar a su padre, asesinado por William Barrès, el capo mafioso que controla el mundo del crimen en esa ciudad.

007 ALTA TENSIÓN

En 1987 se estrena la primera película de James Bond que se rueda, en parte, en escenarios tangerinos: 007 Alta tensión (The living daylights), de John Glen, y con Timothy Dalton como el famoso agente.

Además de Tánger (las localizaciones fueron en el Hotel Ville de France, en el Museo Forbes, en el Palacio del Menddoub, etc…) este film se rodó también en escenarios marroquíes de Ouarzazate y del Atlas, y en Gibraltar, Austria, USA, Italia y Gran Bretaña.

Junto a Timothy Dalton, actuaban en el reparto Maryam D´Abo, Jeroen Krabbé, Joe Don Baker, John Rhys-Davies, Art Malik, Walter Gotell y Nadim Sawalha.

La trama, otra aventura del famoso agente británico contra agentes del KGB con armas nucleares de por medio…

SPECTRE

Doy un salto en el tiempo para seguir con James Bond, que regresó a Tánger ya con el rostro de Daniel Craig en 2015 en la película Spectre, de Sam Mendes.

A Craig lo acompañaban en esta ocasión Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ralph Fiennes, Monica Bellucci, Jesper Christensen, Naomie Harris y Ben Whishaw.

Además de en la medina de Tánger, Spectre se rodó en otros escenarios marroquíes como Erfou y Oujda, y también en Austria, Italia, Ciudad del Vaticano, Gran Bretaña y Mexico.

Los mejor de este film, quizá, la sensual presencia de Monica Bellucci.

Sergio Barce, julio 2020

SEGUIRÁ – To be continued…

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EL CINE DE 2013

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Soy un apasionado del cine. Todos los amigos lo saben. Y por eso, sigo siéndole fiel y no abandono la pantalla grande. Continúa embrujándome todo el rito que rodea al acto de ir a un cine: hacer cola, sacar mis entradas, ver la película en la oscuridad de la sala, comentar los detalles de la película al terminar la proyección, bien tomando un café por la tarde o bien cenando por la noche, dependiendo de la hora de la sesión… Sigue leyendo

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DJANGO DESENCADENADO (DJANGO UNCHAINED, 2012) UN FILM DE QUENTIN TARANTINO

Si hay algún Oscar indiscutible este año es el de Daniel Day-Lewis por su interpretación de “Lincoln”, pero también lo son el de Guión original para Quentin Tarantino y el de Mejor Actor de Reparto para Christoph Waltz, ambos por “Django desencadenado” (Django unchained), en mi modesta opinión la mejor película con permiso incluso de “Argo”.

Este año hablo con conocimiento de causa porque he visto prácticamente todas las películas candidatas, ya se sabe que cuando uno es un apasionado del cine hace este tipo de cosas., y, con sinceridad, “Django desencadenado” es la película que me habría gustado rodar (si fuera director de cine). 

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¿Qué tiene este film para que me haya gustado tanto? Pues tiene ritmo, es entretenida, te hace reír pero también te hace sufrir, es un western, el género cinematográfico por excelencia y que desde mi infancia me fascina, pero es además un spaghetti-western (junto a “Hasta que llegó su hora” –Once upon a time in the West- de Sergio Leone, el mejor).  Sus diálogos son magistrales, pronto los veremos reproducidos en infinidad de blogs y de páginas dedicadas al cine, su banda sonora es poderosa y electrizante, sus imágenes impactantes. Ya lo anuncia su tráiler:

Trailer:

Quentin Tarantino es un embaucador, pero tan inteligente que arma sus películas como perfectos engranajes. Escribe un guión excelente y dirige con mano maestra. No oculta nada en esta película: coge uno de los títulos míticos del spaghetti-western “Django” (1966) de Sergio Corbucci y que protagonizara Franco Nero, en la que se narraban las peripecias de un pistolero que llega a un pueblo cochambroso del Oeste arrastrando un ataúd, pero, por supuesto, no rueda esa película, Sigue leyendo

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Cuadernos de Cine: UN DIOS SALVAJE versus UN MÉTODO PELIGROSO

Se han estrenado estos días dos películas de dos de los realizadores que más me gustan y que sigo desde hace años: David Cronenberg y Roman Polanski.

 

El primero se adentra en la relación entre Sigmund Freud y Carl Jung, los dos psicoanalistas más famosos de la historia, y la disputa que les enfrentará tras una larga relación epistolar y personal, en UN MÉTODO PELIGROSO <A dangerous method>; y Polanski en un drama escrito para el teatro por Yasmina Reza y que adapta fielmente al cine con maestría e inteligencia: UN DIOS SALVAJE <Carnage>. Analizar ambos films me parece atractivo porque ambos nos plantean cuestiones profundamente humanas y están íntimamente unidas por un nexo invisible pero evidente: el comportamiento de las personas, de nuestra sociedad en suma.

DAVID CRONENBERG

Cronenberg, al que se deben películas tan perturbadoras y originales como VINIERON DE DENTRO DE… <Shivers> de 1975,  INSEPARABLES <Dead ringers> de 1988 o eXistenZ, rodada en 1999; rarezas como la difícil adaptación de EL ALMUERZO DENUDO <Naked lunch> de 1991, y joyas como PROMESAS DEL ESTE <Eastern promises> de 2007, se atreve con el psicoanálisis con un trío de estupendos actores: Viggo Mortensen como Freud, Michael Fassbender como Jung y Keira Knightley como Sabina Spielrein, personaje éste rico, curioso y desconcertante. La ambientación es estupenda, la música bien acompasada a las escenas, y la trama intensa, con guión del gran Christopher Hampton. Ya digo que el personaje de Sabina Spielrein, que pasó de paciente a amante de Jung, con el consiguiente escándalo de la época, es el más profundo y atractivo de la película. Mientras que Viggo Mortensen crea a un Sigmund Freud algo plano, no por culpa del actor sino por el destino decidido por Cronenberg para su rol, el Carl Jung que encarna Michael Fassbender se adueña de la famosa disputa intelectual que enfrentó a ambos estudiosos, pues es él quien lleva el peso de la historia que se nos cuenta. Hay momentos en los que las disquisiciones intelectuales sobre la aplicación del psicoanálisis, sin duda bien argumentadas en las tesis de Freud y Jung, se hacen algo farragosas, y requiere del espectador una atención permanente. Esto, a mi modo de ver, lastra en algo parte de la película que, por el contrario, levante el vuelo cuando bucea en la intensidad con la que Jung comienza a tratar a Spielrein, y que desemboca en una relación sentimental y sexual de alto voltaje. No llega David Cronenberg a utilizar las imágenes que habría rodado hace unos años, porque detecto en los últimos tiempos una especie de autocensura en su cine, como si no quisiera cruzar los límites que antes saltaba sin ningún problema. Lo digo porque las pocas escenas íntimas entre ambos personajes son tratadas con un pudor exquisito, que las edulcora y que las desviste de la crudeza que la historia nos insinúa. Pero, con todo, ya digo que es lo mejor de la película, junto con el personaje secundario y aislado de Otto Gross, encarnado por el estupendo Vincent Cassel.

 

Escena de UN METODO PELIGROSO

 

UN MÉTODO PELIGROSO es una película de factura impecable, algo fría, quizá gélida según se mire, pero curioso y elegante retrato de unos personajes que han transformado profundamente la psiquiatría hasta ser las referencias fundamentales.

 

Por el contrario, el largometraje de Roman Polanski, UN DIOS SALVAJE, nos lleva a la psicología del mundo de nuestros días, en concreto, a la pacata, moralista y falsaria sociedad desarrollada en la que vivimos. No voy a descubrir a estas alturas la grandeza cinematográfica de Polanski, al que sigo desde mi adolescencia. Cuando vi por vez primera REPULSION, 1965, me di cuenta de la fuerza de sus imágenes y de la intranquilidad que me causaban. Luego, LA SEMILLA DEL DIABLO <Rosemary´s baby> de 1968,  CHINATOWN, de 1974, EL QUIMÉRICO INQUILINO <Le locataire>, 1976, entre otras, son películas a las que no he podido resistirme una y otra vez. Incluso su penúltima película, EL ESCRITOR <The ghost writer>, de 2010, me merece todos los elogios.

 

ROMAN POLANSKI

 

Con UN DIOS SALVAJE, Polanski rueda una aparente sencilla historia. No oculta su origen teatral, el texto de Yasmina Reza está ahí, casi intacto, salvo por las dos escenas de apertura y cierre, imposibles en un teatro, pero que, a mi juicio, sirven cinematográficamente para darle más hondura a la tesis que se plantea y también para dejar en ridículo, por completo, a los personajes que se han estado moviendo ante nuestros ojos. Los dos matrimonios están encarnados también aquí por cuatro estupendos actores: John C. Reilly, Jodie Foster, Kate Winslet y el magnífico Christphe Waltz.

La trama es simple: un niño, jugando con sus amigos, hiere a otro, al que le causa varias heridas, entre ellas la rotura de dientes. Los padres, civilizados, de un nivel medio alto, se reúnen para hablar del incidente. Lo que en apariencia se encauza debidamente, dentro de los parámetros de la buena educación y de lo éticamente aceptado, va degenerando poco a poco en lo que se ha convertido nuestra sociedad actual: un mundo que se mueve por el cinismo, el egoísmo, la insolidaridad, la hipocresía en suma, y también en el primitivismo atávico que ocultamos. Los bajos instintos, las frustraciones individuales, van aflorando gracias a unos diálogos inteligentísimos y a unas situaciones tan realistas como reconocibles. La escena de Kate Winslet vomitando en el salón, las reacciones del personaje de Jodie Foster, que trata de ocultar su verdadera rabia, su verdadero yo, apuntalan al que, creo, es el mejor de los cuatro personajes que dominan la escena: el abogado encarnado por Christoph Waltz, un hombre cínico, al que los demás seres humanos le importa un bledo salvo si puede obtener un beneficio –personal o profesional-, pero a la vez es quien irá dejando en evidencia al grupo, y descubriendo lo que todos ellos son y en lo que se  han convertido. Tiene momentos de humor ácido y agresivo, algunos delirantes, pero muy acertados. Y cuando todos ya se han desnudado dejando ver sus verdaderos rostros, patéticos y vacíos, Polanski nos hace volver al campo de juegos en el que se reencuentran los dos niños que han provocado esa reunión entre sus educados padres, y entonces es cuando su cámara, sin alharacas, nos revela la verdad. Y sinceramente, le saca los colores a ciertas actitudes que, desgraciadamente, vemos cada día.

 

Escena de UN DIOS SALVAJE

 

En fin, dos películas muy interesantes, aunque me quedo probablemente con UN DIOS SALVAJE, un retrato rico en matices del que podemos aprender unas cuantas buenas lecciones.                       Sergio Barce, diciembre 2011

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